Pauline Alioua est née en 1986. Elle fait ses premières photos à l ‘adolescence, inspirée par la pratique de son père, Madani Alioua. Elle étudie la psychologie cognitive et les sciences de la communication. Influencée principalement par le Cinéma, elle se nourrit du travail de cinéastes comme Fellini, Scorsese, Antonioni, Wenders, Kubrick dont elle apprécie la singularité du regard, la force des propos et la poésie. Elle auto-édite et expose à plusieurs reprises Phantomatic en 2016. Aux côtés de son compagnon Chris Garvi avec qui elle vit, voyage et travaille, elle co-édite deux ouvrages, Plein Cœur et Dans le Creux du Manque publié par Arnaud Bizalion. Pauline Alioua développe un travail d’auteure sensible autour de l’être humain, où à partir de questionnements intimes et existentiels elle interroge le monde et le lecteur. Ses images, généralement noir et blanc, oscillant entre le réel et l’onirisme accrochent par leur force narrative et poétique. Sa pratique intensive de l’argentique lui apporte un savoir-faire particulier et marque profondément son identité visuelle et son rapport viscéral à la photographie.

Né en 1979, Driss Aroussi vit et travaille à Marseille. Il est titulaire du DNSEP avec les félicitations du jury à l’école supérieure d’art d’Aix-en-Provence en 2007.

Son travail artistique est polysémique, empruntant plusieurs pistes de recherche, navigant entre expérimentation et forme proche du documentaire : ces deux parts du travail (auxquelles s’ajoutent le dessin et la vidéo) articulent une forme d’engagement politique à l’envie d’inventer toujours à l’endroit où il se trouve.

Il a obtenue une bourse de recherches avec de la Casa Velasquez puis été en résidence à la cité des Arts à Paris et à l’IF de Bamako. Il a participé à plusieurs expositions collectives dont le 59ème Salon de Montrouge, à la Biennale des Jeunes Créateurs de l’Europe et de la Méditerranée, au Panorama de Bourges, etc. Il a eu des expositions personnelles à l’Espace d’art le Moulin à La Valette du Var, à l’école d’art Gérard Jacot à Belfort et à la Bibliothèque Départementale des Bouches du Rhône.

Il a co-dirigé pendant deux ans la revue photographique CHEAP et à présent il co-organise la programmation de la Vitrine d’Arcade avec le collectif dont il fait partie (DEUX). Son travail est présent dans la collection du FRAC PACA, de la ville de Montrouge, du CCR (Centre de Conservation et de Ressources du Mucem) et dans des collections privées.

Né en 1986, France. Vit et travaille à Marseille. Diplômé en 2017 de l’École nationale supérieure de la photographie et en 2010 de l’IEP d’Aix-en-Provence. Son travail photographique s’intéresse à l’action de l’homme sur la paysage et à la redéfinition des usages et de la notion de territoires notamment dans l’espace méditerranéen avec une attention particulière pour l’évolution historique des paysages et l’ethnobotanique. En 2019, il mène deux résidences artistiques dans le cadre de sa recherche sur la Méditerranée, une en Haute-Provence et une dans les Albères en pays catalan. En 2018, exposition de la série Aygalades lors des Rencontres d’Arles, puis projection au FRAC Paca. En 2017, exposition au Palais de la découverte à Paris, du travail réalisé en collaboration avec les laboratoires INSERM de Marseille sur un rapprochement historique et poétique entre l’épilepsie et Hercules furieux d’Euripide.

Né en 1972 à Rome, Marco Barbon vit et travaille en France depuis 2001.

Titulaire d’un doctorat en Esthétique de la Photographie à l’EHESS de Paris, depuis 2005 il entame une recherche artistique personnelle, dont émergent ses deux problématiques de prédilection : d’une part la temporalité de l’image, de l’autre la zone de frontière entre la réalité et le rêve, le document et la fiction.

Auteur des livres Asmara Dream (Filigranes, 2009 ; réédité en 2016), Cronotopie (Trans Photographic Press, 2010), Casablanca (Filigranes, 2011), Les pas perdus (Poursuite, 2014), Asmara (Be-Pôles, 2014), El Bahr (Filigranes, 2016) et The Interzone (CLF, 2017), ses œuvres sont régulièrement exposées en France et à l’étranger et font partie de plusieurs collections privées.

Née à Casablanca, Maroc. Diplômée de l’École de la chambre syndicale de la couture Parisienne, Paris, France. Diplômée de l’École Nationale Supérieure de la Photographie, avec les félicitations, Arles, France. Diplômée de l’ENSEP avec les félicitations, Aix-en-Provence, France. Vit et travaille à Marseille, France.

J’ai commencé à pratiquer la photographie au début des années 2000 suite à des remises en cause personnelles très fortes. La dimension fragile de la vie s’est imposée à moi et la photographie a fonctionné comme une béquille existentielle. Face à une réalité difficile à appréhender- comme la maladie dans la série « Autoportrait au rideau rouge » (2002), ou encore dans la série « Un parterre de roses » (2001-2008), la photographie a agi comme un nouvel organe de sens. D’emblée, j’ai placé ma pratique dans le champ de l’intime. Aujourd’hui, mon travail débouche sur des sujets plus ouverts comme la famille, le désir, la perte, le deuil et l’enfermement et touchent à l’universel. Dans « Photos Souvenirs », je crée, à partir de mes archives personnelles, un album imaginaire comme une traversée des apparences. Je déconstruis le mythe de la famille idéale afin laisser émerger une image plus nuancée et convoquer la matière noire absente de ces photographies-là. Je me sers de la fonction faussement décorative de la broderie pour en donner un sens différent qu’elles avaient dans la mythologie familiale. Ce travail lent et précis est la métaphore d’une fabrique minutieuse de soi et du temps qui passe. Je cultive une approche protéiforme de la création en développant des installations à travers lesquelles j’interroge l’identité, la construction de soi. J’utilise des matériaux qui peuplent l’univers domestiques (napperons, mouchoir avec monogramme brodé, torchon, drap de trousseau…). À travers les objets triviaux que je crée et brode, je renverse la hiérarchie des arts. Le philosophe Jacques Derrida a écrit : « Ce qu’on ne peut pas dire, il ne faut surtout pas le taire mais l’écrire » Dans « Ce qu’on ne peut pas dire » et « Ce qu’on ne peut pas voir », l’écriture et le dessin sont une forme de résistance au silence. Je parle du silence des femmes face à leurs désirs et la difficulté d’accepter son corps en tant qu’objet désirant.

Né en 1964 à Paris, Éric Bourret vit et travaille dans le Sud de la France et en Himalaya. Son oeuvre d’«artiste marcheur» , s’inscrit dans la lignée des Land-Artists Anglais et des photographes-arpenteurs de paysages. Depuis le début des années 1990, Il parcourt le monde à pied, traversant tout horizon à toute altitude, effectuant des prises de vues photographiques qu’il nomme « expérience de la marche, expérience du visible ». Dans ces images, Éric Bourret exprime les transformations sensorielles et physiques profondes que provoque la marche. L’expérience du trajet parcouru exacerbe la perception et la réceptivité au paysage. Au cours de ses marches, de quelques jours à plusieurs mois, selon un protocole conceptuel précis qui détermine le nombre et les espacements des prises de vue, l’artiste superpose différentes vues du même paysage sur un seul négatif. Ces séquences intensifient et accélèrent l’imperceptible mouvement des strates géologiques et fige l’éphémère temporalité de l’homme. L’accident, l’imprévu sont assumés dans ce concept de saisies photographiques aléatoires. Cet éphéméride photographique désintègre la structure de l’image initiale et crée une autre réalité mouvante, sensible. L’image née de ce « feuilleté temporel » est vibrante, oscillante, presque animée. Des séries plus factuelles insèrent date, lieu, durée, distance parcourue et transmettent ainsi le rythme et l’espace de ce carnet de marche. Elles témoignent d’une expérience subjective, ainsi qu’il le confie lui-même : « Je suis constitué des paysages que je traverse et qui me traversent. Pour moi, l’image photographique est un réceptacle de formes, d’énergie et de sens. » Depuis 1990, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions et acquisitions dans les musées et Centres d’art, en Europe, aux États-Unis et en Afrique, notamment the Finnish Museum of Photography à Helsinki ; the Museum of Contemporary Art of Tamaulipas au Mexique ; le Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain de Nice ; le Musée Picasso à Antibes ; la Maison Européenne de la Photographie de Paris. En 2015-19, il a participé à plusieurs expositions : la 56e Biennale de Venise ; Joburg Contemporary African Art, Afrique-du-Sud ; Start à la Saatchi Gallery de Londres ; Shenzhen Art Museum, Chine ; L’Espace de l’Art Concret, Mouans-Sartoux, France ; Sapar Contemporary, New-York ; Xie Zilong Art Museum, Chine.

Chris Boyer voit la lumière pour la première fois dans les années 60 à Marseille. Ses parents gardent précieusement  dans un coffret de bois les traces de son enfance et des événements qui rythment la vie familiale. Il grandit dans un univers habité par les images et les souvenirs qu’elles immortalisent. Avec le temps, la photo devient chez lui un besoin vital qui avec le temps envahit son quotidien : Chris Boyer fait des photos comme il respire.

Autodidacte, il puise dans une culture photographique illimitée des sources d’inspiration et des connaissances techniques qui donnent à son travail ce caractère inclassable.

Il fait l’expérience, à la manière de Henri Cartier-Bresson, de la sérendipité, la quête de l’instant décisif que le hasard lui offrira ou pas, mais qu’il ne manquera pas de fixer. Sa rencontre avec le travail d’Antoine D’Agata l’encourage à explorer plus avant des territoires considérés longtemps comme obscurs, Chris peut tout photographier, sans tabous. S’il s’emploie à suspendre le temps qui passe au travers de ses images foisonnantes et éclectiques, son sujet de prédilection reste l’humain. Et c’est sans relâche, avec respect et sensibilité, qu’il s’immerge dans l’univers de ses semblables, sans jamais se montrer intrusif, inspiré par le regard bienveillant d’un Joseph Koudelka.

Obsessionnel, il se retrouve dans les préoccupations de Noboyushi Araki lorsqu’il décrit sa démarche d’analyse d’un  travail que l’on pourrait qualifier de pléthorique, s’interrogeant sur son évolution quant à ses propres obsessions.

Pendant ce temps, la vie passe et Chris Boyer photographie, comme il accomplirait un acte de résistance, comme pour en retenir la substance. Pour finir, il garde précieusement en tête les propos de William Klein qui, selon lui, remettent toute chose à la place qui lui est due : si quelqu’un se souvenait de 100 de mes photos, ce qui est improbable, cela ne représenterait jamais qu’une seconde de ma vie de photographe.

Née à Marseille d’une mère Maltaise et d’un père franco-suisse, marin de profession, Orianne Ciantar Olive passe une partie de son enfance en Camargue. Sa jeunesse, marquée par les déménagements et les voyages, l’emmènera de métropole en Guyane, d’Europe aux Amériques. Titulaire d’un master en cinématographie, d’un DU de criminologie puis enfin d’un diplôme de journaliste, elle associe très vite la photographie à son goût pour l’investigation, oscillant entre documentaire et fictions du réel. En 2004, alors résidente à Damas en Syrie, elle expose pendant le festival international de photographie d’Alep et devient photographe indépendante de presse. Elle couvre alors l’actualité à l’international et voyage au Japon, aux États-Unis, au Cambodge, au proche orient, au Liban, au Maghreb, en Jordanie et en Europe. Après avoir intégré les services photos de titres de la presse quotidienne régionale, elle devient journaliste pour un magazine mensuel dont elle est aujourd’hui rédactrice en chef. Orianne travaille une photographie personnelle qui explore le rapport à l’existence, à l’histoire et à l’identité. Désormais focalisée sur les projets au long cours, ses travaux ont été exposés au Head On à Sydney, à l’IPF à Melbourne, au Borderline center de Tokyo, à la New York Art Fair ou dernièrement au festival In Cadaques. Elle a été lauréate en 2011 du prix 30 under 30 woman photographers, mention spéciale du jury du prix Rehabimed en 2012 et lauréate du prix documentaire Kontinent photo awards en 2014. Elle est représentée par le studio Hans Lucas depuis juillet 2019.

Philippe Conti vit et travaille à Marseille. En 2001, Médecins Sans Frontières co-produit son travail intitulé « Chronique Palestinienne », qui débouchera sur une exposition et une revue traduite en cinq langues. En 2004, il publie aux éditions Images en Manoeuvres un ouvrage intitulé « On dirait le sud… ». En 2006, suit le livre « Djelem, djelem ». En 2008, « Fragment » un travail réalisé en Jordanie auprès de réfugiés Irakien victimes de la guerre est remarqué par le jury de Photographie.com et sera exposé à la BNF. Parallèlement, il est sélectionné – grâce à son travail sur le Plan d’Aou à Marseille – par John Davies alors curateur projet Cities On The Edges à Liverpool, qui rassemble six grandes villes portuaires Européennes. Une exposition et l’édition d’un livre ont été présentées en novembre 2008 à Liverpool alors capitale européenne de la culture. Il assure par la suite la direction artistique du projet « La nouvelle ville » avec le collectif Transborder qui rassemble photographes, iconographe, vidéaste, créateur sonore, graphiste avec lesquels il présentera une exposition au J1 dans le cadre de Marseille – Provence 2013 capitale européenne de la culture. Ses recherches photographiques posent la question de l’altérité. Il essaie d’interroger ce concept à la fois d’un point de vue ethnologique et ontologique en posant la question de l’autre dans un contexte géographique et social où l’identité revêt à la fois une dimension individuelle et collective. C’est le plus souvent dans le cadre immédiat de la vie quotidienne, les espaces intimes où les gens mènent leur vie que ce travail prend forme. Il collabore régulièrement avec la presse et les institutions culturelles. Philippe Conti fait partie depuis janvier 2010 de l’agence coopérative de photographes PICTURETANK.

Né en 1961 à Marseille, vit et travaille à Marseille et Paris. Photographe associé de l’Agence Magnum Photos. Antoine d’Agata quitte la France en 1983 pour une dizaine d’années. Alors qu’il séjourne à New York en 1990, son intérêt pour la photographie le conduit à s’inscrire à l’International Center of Photography où il suit notamment les cours de Larry Clark et de Nan Goldin. De 1991 à 1992, il est stagiaire au bureau éditorial de Magnum, à New York. En 1993, il revient en France et interrompt son travail de photographe durant quatre ans. En 1998 paraissent ses deux premiers ouvrages, De Mala Muerte et De Mala Noche. L’année suivante, la galerie Vu commence à distribuer ses photographies. En 2001, il publie Hometown et remporte le prix Niepce. En septembre 2003 est inaugurée à Paris l’exposition intitulée 1001 Nuits, qu’accompagne la sortie de deux ouvrages, Vortex et Insomnia. L’année suivante, il intègre Magnum Photos et publie son cinquième livre, Stigma. En 2004 toujours, il tourne son premier court-métrage, Le Ventre du monde. L’année suivante paraît Manifeste. En 2006, le photographe tourne sa première fiction, Aka Ana, à Tokyo. Sans port d’attache depuis 2005, Antoine D’Agata photographie à travers le monde. « Une photographie se définit à travers et au sein même de l’acte où elle naît. Le geste photographique devient l’équivalent de l’acte perceptif lui-même. Par la transgression de la frontière séparant ordinairement le photographe de son sujet, je suis devenu l’objet de mes images, acteur contraint de mon propre scénario. L’art ne peut exister dans un espace séparé de la vie. Mon projet photographique est une prise de conscience autobiographique. Je documente ce que je vis pendant que je le vis, dans l’impossibilité d’exister hors de la photographie qui s’est greffée sur mes peurs et mes désirs, et s’en nourrit comme d’une chair vivante. » Antoine d’Agata

Après une formation en Archéologie à l’Université de Florence, Ezio D’Agostino étudie la photographie à la Scuola Romana di Fotografia de Rome. Sa démarche artistique résulte de sa formation d’archéologue : il pose son attention sur la stratification historique et culturelle du paysage, en invitant le spectateur à réfléchir sur les systèmes de construction de la société contemporaine et de ses imaginaires. Ses photographies ont été exposées dans plusieurs festivals internationaux et au sein de grandes institutions, parmi lesquels : Noorderlicht International Festival (Pays-Bas), International Center of Photography (USA), GetxoPhoto (Espagne), Centre National de l’Audiovisuel (Luxembourg), Le Bal (France), FotoGrafia Festival Internazionale di Roma (Italie), Paris Photo (France), FotoLeggendo (Italie), Biennale d’Architecture de Venise (Italie). Il est auteur des livres Alphabet (2015) et NEOs (2019), publiés par la maison d’édition Skinnerboox. Il vit à Marseille.

Né en 1982, Pierre-Emmanuel Daumas grandit à Nice, il est diplômé de l’Ecole Supérieure d’Art de Saint-Luc à Liège en 2004. Attaché a la photographie plasticienne, très vite dans son travail on retrouve une approche qui mélange documentaire et fiction dont les « supports / sujets » oscillent entre portrait et paysage. Il est co-fondateur de l’espace photographique « Fermé le lundi » basé a Marseille. Il intervient depuis 2007 dans les milieux scolaires et sociaux afin d’ouvrir la photographie à un public plus large. Depuis 2019 il anime des ateliers photo a la Fontaine Obscure à Aix-en-Provence.

Je fuis le spectaculaire, le feu d’artifice. Je cherche avant tout l’expression de quelque chose de pur dans ce qu’il a de commun. C’est en partie la raison pour laquelle ma photographie est une photographie de terrain. Et même si je voyage pour me libérer de certaines contraintes, mes photos pourraient être faites ici ou ailleurs. Elles ne portent pas en elles l’identité d’un lieu ou d’un moment mais cherchent avant tout à valoriser l’essence d’un sentiment porté par une sujet anonyme. Ce qui m’intéresse est d’une certaine manière ce point de bascule qui peut exister « entre l’être et l’oubli ». Derrida nous enseigne que la signification comme signe est une absence au coeur même de la présence. La distance que j’opère à la prise de vue, me permet ce dialogue contenant /contenu. La notion de souvenir écran est souvent au centre de ma démarche. Mes photographies sont « celles que j’aurais voulu faire » et possèdent souvent une dimension allégorique ou onirique. Le sujet que je photographie se révèle dans une image qui me guidera, « une image pour vivre avec ».

Née en 1955, à Marseille. Vit et travaille à Marseille et à Lyon.

Dans le cadre de Septembre de la photographie à Lyon, Monique Deregibus propose l’exposition «Aux habitants des villes » au centre d’art de Saint-Fons. L’ensemble se compose d’images extraites de son imposant travail publié sous la forme d’un livre – « Hôtel Europa » – ainsi que d’une série inédite consacrée à Las Vegas. Les grands tirages d’Hôtel Europa se distribuent en deux ensembles «topographiques »: les vues de Sarajevo et celles d’Odessa auxquels s’ajoute l’unique image (un wagon ouvert, faisant fenêtre sur l’infini) réalisée à Marseille. «Monique Deregibus ne pratique pas un art de l’image transitive: les légendes ne précisent pas les lieux ou les moments, les images parlent d’elles-mêmes en maintenant le sens ouvert. Les vues offrent toutefois des motifs récurrents. La plupart du temps des architectures à partir de points de vue surhaussés, des manières de vedute pointant sur des bâtiments aux surfaces éraflées, quand les structures ne sont pas elles-mêmes en péril. Ces espaces héritiers d’une histoire du paysage conceptuel – l’esthétisation de la nature dénaturée – forment le décor abandonné des tragédies historiques. On imagine sans peine quel tourment a précédé le temps des images: des pluies d’obus, des rafales d’armes automatiques, des cris. Le silence qui règne en chaque photographie résonne du poids de l’histoire. La lumière détourne toutefois ces représentations de tout sentiment dépressif. Une lumière méditerranéenne, avec un soleil haut et des ombres franches, flatte les couleurs et il règne ainsi une atmosphère paradoxale. Cela est moins vrai en considérant les vues réalisées à Odessa, mais il s’agit ici d’organiser une forme de désillusion. En effet, l’artiste confie volontiers qu’elle espérait retrouver après un long voyage l’Odessa révolutionnaire du Potemkin, et qu’elle n’a trouvé là qu’une cité standardisée. Le fameux escalier du film d’Eisentein n’aboutit-il pas à l’Hôtel Odessa ? Une salle présente de petites images réalisées récemment à Las Vegas. Monique Deregibus revient d’une certaine manière vers un sud américain qu’elle avait beaucoup photographié sur un mode minimaliste il y a de nombreuses années. Désormais, à grand renfort de couleur, elle observe la ville où viennent mourir tous les espoirs de grandeur dans les fastes du kitsch. Les seuls personnages qui apparaissent sont ceux des homeless. Il y a ainsi dans l’art de Monique Deregibus une tentative de représenter l’histoire, les utopies et des désirs comme s’il en allait d’une fatalité.»

Michel Poivert, Septembre de la photographie 2008, Lyon

À partir du désert du Nouveau-Mexique 1989-1999, 10 années d’ obsession en quelque sorte, et en noir et blanc. Un travail qui dort toujours à sa manière, peu montré,  un travail essentiel pour mon rapport à la photographie. Car il y faut toujours une bonne dose de folie douce, d’ incompréhensible à soi-même pour découvrir dans l’après coup, tout ce qui/quoi  d’ essentiel était déjà logé là… Disjonction entre la surface lissée et apaisée de la photographie souvent présentée en très grand format  d’ avec l’histoire particulièrement violente qui a été vécue là. Ce n’ est que beaucoup plus tard, dans l’ après coup de ma pratique photographique que je comprendrai ce qui déjà se logeait là, une espèce d’ image apaisée et en suspens,  telle qu’elle voile et dévoile à la fois, véhiculant presque toujours la mémoire d’ une histoire chaotique de cris et de guerre. Voici ce à quoi je me suis attelée dans   l’ ensemble de mon travail, et ce n’ est pas un hasard si plus tard je me suis rendue dans des villes  traumatisées, telles que Sarajevo, Beyrouth, Nicosie, Kaliningrad… Alors, si «le petit livre rouge,» réalisé à partir d’un quartier spécifique de Valence le haut fut ma première aventure éditoriale,  produite en parallèle avec mes déplacements au désert,  je ne cesserai plus désormais de vouloir réaliser des livres. Car il y a dans la photographie et le livre un rapport étroit d’appartenance et de statut, comme un double rôle joué par la reproduction, à la fois instrument critique et solution artistique qui me paraît essentiel. Monique Deregibus

Michaël Duperrin vit et travaille à Marseille depuis 2017, où il a trouvé un port d’attache adéquat. Il partage son temps entre sa pratique artistique, une activité journalistique pour le magazine Réponses Photo et des stages et workshops. Expositions en France et à l’étranger dans des festivals (Fictions Documentaires, Rencontres Photographiques de Lorient, Chroniques Nomades, Photomed Quinzaine Photographique Nantaise, Promenades Photographiques de Vendôme, Photo de Mer, Rencontres photographiques du 10 ème MAP Toulouse, Ping Yao, Photo Fringe Pnohm Pehn des galeries Immix Imagineo Lab Artyfact Le Lac gelé et des lieux publics (Chapelle des Pénitents bleus de La Ciotat, MK 2 bibliothèque, Eglise Saint Merri, Maison des artistes de Téhéran…) Livres : « Odysseus, l’Autre monde », éditions sun/sun, 2019, accompagné de textes de Thierry Fabre et Pierre Bergounioux.  « En son absence », Séguier, 2010 postface Christian Caujolle. « Transports sans fin », autoédition, 2004. Publications dans Paris Match, Le Monde Diplomatique, Les Inrockuptibles, Le Magazine Littéraire, Fisheye, Photo Nouvelle, Réponses Photos, France Photographies, Latences…) Membre du Studio Hans Lucas depuis 2015 A la frontière de l’intime, de la fiction et du document, chacune de mes séries explore un aspect du monde, de la matière des images et de l’inconscient. Je procède selon une méthode d’enquête sauvage, faite d’allers et retours entre intuition et réflexion, et nourrie à diverses sources : histoire, anthropologie, philosophie, psychanalyse, arts, littérature, et surtout mes obsessions. Enfant, j’étais fasciné par la photo d’un oncle mort avant ma naissance. Ni ma mère ni ma grand-mère n’en avaient bouclé le deuil. Je passais des heures, littéralement absorbé, à rêver devant ce portrait. Le seuil des Enfers a ainsi été le lieu de mon enfance. J’ai longtemps eu la conviction que, comme l’oncle, je ne sortirai pas vivant de la trentaine. Deux décennies et une dépression plus tard, je débutai conjointement la photographie et une analyse. Orphée aux Enfers m’a indiqué une issue et fourni une fiction théorique.  Le poète obtient de ramener Eurydice des Enfers, mais il transgresse l’interdit de la regarder avant qu’ils ne soient revenus au jour. A l’instant même où il la voit, elle redevient une ombre ; il essaye de la retenir, mais sa main se referme sur le vide. La photographie, pour moi, se joue sur ce seuil entre présence et absence, dans ce geste qui tente de se saisir ce qui s’efface pour mieux le laisser s’en aller. Elle ouvre à la dimension d’un temps stratigraphique où coexistent toutes les époques, qui est le temps a-chronologique de l’inconscient.